di Laura Frigerio

La Milano Design Week è terminata da pochi giorni, ma noi continuiamo a parlare dei nostri colpi di fulmine. Sapevamo, per esempio, che lo stilista Alessandro Enriquez avrebbe fatto la differenza portando il suo stile pop e colorato nel mondo home e infatti è riuscito ancora una volta a stupirci con effetti speciali presentando le sue collaborazioni con Vispring e Jannelli&Volpi, naturalmente con degli eventi esclusivi a cui hanno partecipato anche varie celebrità (da Benedetta Parodi a Luca Calvani, passando per Csaba dalla Zorza).

ALESSANDRO ENRIQUEZ IN VERSIONE DECOR
Le stampe e i disegni, tipici delle collezioni Enriquez, diventano i leitmotiv che guidano lo stilista nella sperimentazione e nell’approccio al design attraverso le maestranze della moda: un occhio curioso guarda attraverso un fiore che in ogni occasione si colora di nuance diverse, dando vita così al disegno Floreyes. Alessandro firma una capsule di carte da parati per Jannelli & Volpi, una serie di tappeti in seta e lana annodati a mano per Illulian e, dulcis in fundo, una collezione di sedute e letti per Vispring. In quest’ultima i disegni di Alessandro diventano jacquard di seta, realizzati dall’azienda toscana Alibi, con la quale il brand Alessandro Enriquez collabora da diversi anni per sviluppare dei tessuti speciali per la sezione dei capispalla nelle sue collezioni.

Con Jannelli & Volpi Alessandro racconta in anteprima il progetto Casa Enriquez, la sua nuova casa a Milano che farà da cornice a tante nuove attività tra il mondo della moda e quello del design. Seguito dallo Studio Thomas Zangaro, Alessandro, trasforma una casa dei primi del ‘900 in stile liberty e dai tetti affrescati in una dimora unica nel suo genere. Architettura, moda e ricordi si fondono in un mix di emozioni che raccontano il mediterraneo, le terre del cuore dello stilista, la Sicilia natia, la Tunisia e la Spagna delle sue origini ed infine l’amore per la Grecia. Le carte da parati svolgono un ruolo protagonista all’interno di Casa Enriquez e incorniceranno dalla prossima settimana della moda un nuovo capitolo per lo stilista. Alessandro e Illulian da anni collaborano con delle proposte firmate Enriquez all’interno della gamma dei tappeti e, per questa speciale stagione, sviluppano un disegno nuovo “a pois”, dei papaveri e delle viole in seta ed in lana, proposte in diverse colorazioni e completamente annodati a mano, per valorizzare al meglio tutte le case di coloro che li sceglieranno.

Vispring, storica azienda inglese dei primi del ‘900, sceglie l’inconfondibile tratto stilistico di Alessandro per sviluppare un progetto unico che unisce il mondo dei sogni al mondo della moda. Nasce così “FLOREYES”: una collezione di letti e pouff, firmate dal designer, che in occasione del Salone del Mobile verranno presentati all’interno di un allestimento tridimensionale e surreale seguito dall’interior designer Thomas Zangaro. A completamento della collaborazione Alessandro affida l’interpretazione grafica onirica all’illustratore e amico Jacopo Ascari.

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di Laura Frigerio

Il Salone del Mobile è tornato ad animare Milano come ai tempi pre-pandemia ed è stato un piacere scoprire le varie installazioni e le iniziative, che hanno coinvolto anche prestigiosi brand fashion. Tra questi Valextra, eccellenza nella pelletteria, che ha proposto un doppio programma dedicato alla cultura del design milanese e alla sua tradizione artigianale.

Il flagshipstore di via manzoni 3 ha ospitato un'intrigante istallazione dedicata al Tric Trac: un mega rollercoaster che percorre i luoghi simbolo di milano riprodotti all’interno dello shop.
Per inaugurarla in bellezza è stato organizzato un cocktail party, in collaborazione con Bar Basso, per brindare con un negroni sbagliato alla tanto attesa Milano Design Week.
Per quei pochi che non lo sapessero: Tric Trac è una delle icone Valextra e rappresenta l’ideale combinazione tra le capacità pellettiere e il design senza tempo.

E non è finita qui: Valextra ha creato inoltre una experience attraverso la scoperta degli studi di tre architetti che hanno fatto la storia, accompagnando i suoi best clients in un viaggio inedito nel design italiano.

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di Redazione

È stato un parterre d’eccezione quello che si è dato appuntamento il 6 giugno al CUPRA Garage Milano di Corso Como 1, dove in occasione della Milano Design Week il brand automotive di Barcellona ha presentato il cortometraggio “A shared impulse” realizzato per celebrare la collaborazione con Mooney VR46 Racing Team, la scuderia di Tavullia di cui CUPRA è official automotive partner durante il Campionato del mondo di MotoGP e Moto2.

Tra volti noti dello sport e dell’alta velocità, Pierantonio Vianello, CUPRA & SEAT Brand Director, ha svelato in anteprima il video insieme ai piloti Celestino Vietti e Andrea Migno e il direttore sportivo della VR46 Academy, Alessio Salucci.

La première, che ha visto tra gli altri la partecipazione di Claudio Marchisio, brand ambassador di CUPRA, Demetrio Albertini, Enrico Nigiotti, Andrea Zenga, Rosalinda Cannavò, Lorena Bega, Stefano Guerrera e Giovanni Masiero, è stata anche l’occasione per presentare il risultato tecnico della partnership con Mooney VR46 Racing Team.

E dopo la première video gli ospiti sono stati trasportati in un’altra dimensione con l’installazione “Another way”, il progetto della startup italo-inglese REALITY IS_, che ha realizzato in un container industriale lungo 12 metri antistante il CUPRA Garage, un’esperienza immersiva che coinvolge tutti i sensi, stimolando il visitatore con suoni ispirati ai temi della velocità, dell’impulso elettrico e della natura, tutti sintetizzati digitalmente.

L’esposizione dei pezzi del Mooney VR46 Racing Team con CUPRA e l’installazione sono aperti al pubblico tutti i giorni, fino al 12 giugno dalle ore 11.00 alle ore 23.00.  

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di Laura Frigerio

La Milano Design Week è tornata in grande stile, con installazioni e concept tutti da scoprire e ammirare. Tra le più interessanti quella presentata da Pulsee, brand digitale per luce e gas di Axpo Italia (quarto operatore sul mercato libero dell’energia in Italia), negli spazi della House of Switzerland - Casa degli Artisti.
Si tratta della prima collezione di NFT ad impatto zero: gli NFP (Non Fungible Places), frutto della collaborazione con l’artista digitale e grande esperto di ambiente Giuseppe La Spada, ci ricordano i luoghi d’Italia a rischio scomparsa e sensibilizzano sulle urgenze legate ai cambiamenti climatici.

Quattro le opere digitali che compongono la mostra, la prima esposizione di NFT - Non Fungible Token ad impatto zero visitabile fino al 12 giugno e incentrata sulle problematiche ambientali più impellenti e pericolose: siccità, aumento delle temperature, scioglimento dei ghiacci ed emissioni di CO2. Elementi che rischiano di mettere a repentaglio la salvaguardia di luoghi dall’alto valore per il territorio. Le opere esprimono la visione personale dell’artista dei quattro elementi chiave in natura (terra, acqua, aria e fuoco) associati ad altrettanti luoghi unici e iconici del nostro paese.

La prima opera è dedicata al Ghiacciaio dei Forni, un ghiacciaio la cui superficie si riduce inesorabilmente di anno in anno. Basti pensare che a metà ottocento misurava 20 Km2 ed oggi ne misura meno di 11 con la sua fonte (la parte più bassa) che si è ritirata di 2 Km.
La seconda opera cristallizza nell’osservatore la Laguna di Venezia, colonizzata da varie specie di alghe non autoctone. Il loro aumento progressivo costituisce una delle principali emergenze ambientali poiché comporta una grave perdita di biodiversità su scala globale.
Il terzo protagonista del progetto NFP è il Fiume Po che dopo aver visto nell’inverno passato uno dei meno piovosi, vive una situazione di siccità più gravi della storia con un aumento di temperatura misurato dalle ARPA delle quattro regioni interessate dal suo passaggio del +2.1 C°. L’Isola di Vulcano, che chiude l’esposizione, ritrae la sommità del vulcano che potrebbe non essere più visitabile dopo la recente interdizione a causa di emissioni che rendono irrespirabile l'aria circostante.
Nell’autunno del 2021 a Vulcano si sono registrati valori anomali nelle emissioni di anidride solforosa (SO2), acido solforico (H2SO4) e anidride carbonica (CO2). Un aumento inaspettato che ha reso indispensabile l’evacuazione della popolazione residente nel novembre scorso.

L’artista di origini siciliane Giuseppe La Spada, da sempre attento a sensibilizzare le nuove generazioni sugli impatti antropici attraverso l’utilizzo dell’arte, contestualizza così lo starting point dell’idea creativa: "La separazione creata dall'essere umano negli ultimi 150 anni ci ha reso sempre più distanti e incuranti degli effetti dei processi evolutivi e, soprattutto, di quanto la relazione uomo natura sia importante per la nostra sopravvivenza”.

Grazie al brand digitale Pulsee Luce e Gas tutte le attività preparatorie e di esecuzione della mostra sono state compensate in termini di emissione di CO2 rendendo la mostra completamente a impatto zero. Questo è stato possibile grazie all’acquisto di certificati verdi la cui meccanica di compensazione avviene - come da Direttiva 2003/87/CE sull' Emission Trading Scheme (ETS) - tramite certificati EUA (EU Allowances) che permettono di bilanciare la quantità di CO2.

“Pulsee nasce con l’obiettivo di evolvere la vita delle persone e la sensibilità nei confronti del pianeta non può che appartenere sempre di più a questa evoluzione. Oggi Pulsee con oltre 100.000 clienti attivi fornisce energia 100% sostenibile e la nostra attenzione ai cambiamenti climatici e agli impatti che questi hanno sulla nostra vita è altissima perché pertiene alla nostra sensibilità come operatore di energia e poiché incontra le priorità di un nuovo modello di consumatore” - ha commentato Alicia Lubrani, Chief Marketing Officer di Axpo Italia - “La Design Week è un momento strategico per la città di Milano ed è in grado di dare visibilità internazionale alla dimensione estetica della bellezza e del made in Italy. Abbiamo pensato di utilizzare questi principi per fornire al pubblico una visione diversa di luoghi del nostro Paese che rappresentano quella bellezza ma che rischiamo di non lasciare alle future generazioni; e lo abbiamo fatto con la tecnologia NFT a impatto zero e il calibro di innovazione che da sempre caratterizza Pulsee. Ci auguriamo sia un ulteriore modo per fare informazione e sensibilizzazione su comportamenti sostenibili e consapevoli che siamo chiamati con urgenza ad adottare”.

A seguito dell’esposizione verrà effettuata un’asta e il completo ricavato verrà devoluto in beneficenza.

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di Laura Frigerio

Godere dell'infinita bellezza dell'arte: è una delle cose a cui abbiamo dovuto rinunciare negli ultimi due anni a causa della pandemia. Ora però stiamo cercando pian piano di ricominciare e di riprendere le buone abitudini, tra cui quella di immergersi nella cultura in quei luoghi in cui essa diventa esperienza collettiva.

Quindi questo weekend vi consigliamo vivamente di partecipare alla prima edizione di (un)fair, il nuovo format legato all'arte contemporanea (nato dall'esperienza di Manuela Porcu e Laura Gabellotto - ex direttrice e fair manager di Affordable Art Fair Milano), che si terrà dall'8 al 10 aprile a Milano, per la precisione al Superstudio Maxi (in Via Moncucco 35).

Quello che ci offre (un)fair è un viaggio affascinante nelle proposte artistiche di 60 gallerie internazionali, a cui viene associato un programma collaterale: dalle attività di MOVING ai workshop con gli artisti, dai talk fino allo Spazio Bimbi. Presente anche uno spazio dedicato al basket in collaborazione con la ONLUS Slams Dunk, che attraverso la pallacanestro mira a migliorare le condizioni di vita dei bambini che vivono nelle aree degradate dell’Africa.

La mission di (un)fair è quella di avvicinare il pubblico all'arte contemporanea nel segno dell'inclusione, del confronto e della sostenibilità, offrendo spunti di riflessione e approfondimenti su tematiche di grande attualità, si parlerà di Metaverso, NFT e realtà virtuale, ma anche di design e architettura.

Per saperne di più: https://www.un-fair.com/




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di Redazione

“Creare per comunicare”. Questa è la mission di Ilaria Lappano, giovane artista di talento che attraverso le sue opere d'arte riesce a creare una speciale connessione con le persone, alimentando un immaginario che proietta in una realtà futura.

Le sue opere materiche, in perfetta simbiosi tra Arte&Design, sono infatti ispirate dalla luce, dai corpi celesti e dagli scenari vissuti durante l'infanzia.

“Ho iniziato a sperimentare arte sin dalla tenera età e da allora non ho più smesso di Plasmare e Creare. La mia spinta creativa nasce dal desiderio di connettermi alla moltitudine di persone che non conosco e che non si conoscono fra loro, proprio attraverso le mie opere d'arte” - racconta - “Sono sempre stata attratta dalla luce, dai suoi effetti morbidi e le sue trasparenze e come essi influiscono su uno stato d'animo rendendolo più sereno e armonioso. I miei lavori presentano un'attinenza con qualcosa di lontano e al contempo che si possa percepire attraverso il tocco: pianeti lontani, crateri, suggestive costellazioni quindi la maggior parte delle mie creazioni evidenziano una forte matericità e la presenza della luce che trasforma il quadro in un punto luce vero e proprio”.

E sottolinea: “Ma c'è anche il tema delle Aliene, un soggetto che mi sta molto a cuore in quanto se a prima vista può sembrare che parli di qualcosa di fantascientifico o con poca attinenza con la realtà, dopo un pò l'osservatore capisce che l'aliena non è il soggetto nel quadro ma è se stesso. Noi tutti non sappiamo da dove veniamo o dove andremo e molte volte ognuno di noi si è sentito fuori posto in un qualche contesto o in forte contrasto con i fenomeni attorno a sé. E da quì un invito a porsi domande e scoprire di più”.

CHI È ILARIA LAPPANO
Ilaria Lappano è nata a Cosenza nel 1987. Figlia d'arte, sin dalla tenera età è stata instradata dal padre, noto docente di Conservatorio, attraverso la Musica classica e altri influenti personaggi che gravitavano attorno a quel mondo accademico. Dopo i suoi studi presso l’istituto europeo di Design (IED Milano), a 23 anni ha intrapreso un viaggio in America che ha segnato l’inizio di un nuovo percorso. Attraverso le esperienze vissute in quel periodo, le conoscenze apprese e le persone incontrate ha sviluppato il suo senso artistico governato dalla materia e da continue sperimentazioni sugli effetti di luce.
I suoi lavori artistici rappresentano la qualità e la precisione certosina dell’artigianato italiano che si sposa con l’instancabile ricerca di un'estetica più elevata e dell’eleganza del Design di Interni. Oggi si fa spazio nel campo artistico creando una simbiosi tra Arte&Design unendo l’estetica alla sperimentazione in modo gentile e prettamente femminile.

CONTATTI
Le opere di Ilaria Lappano possono essere visionate su appuntamento scrivendo a info@ilarialappano.it.

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di Redazione

È stata inaugurata, nella galleria d'arte e design Two Creation di Milano (in Via della Spiga 22), la nuova mostra di Guido Rocca.

Il pittore milanese, nominato dalla prestigiosa rivista “Albatros” come uno dei maggiori esponenti dell’arte come soluzione sociale e dell’astrattismo contemporaneo Italiano, è molto apprezzato anche negli Stati Uniti ed è stato intervistato più volte dalla rivista the “Art Insider”. 
Il vernissage è stato un vero successo: tra il pubblico vi erano presenti molti collezionisti e mercanti d’arte, tutti colpiti dall’estetica e dall'armonia sprigionate dalle opere dell'artista. Dieci opere, cinque delle quali di grandi dimensioni ornavano le pareti, avvolgendo gli osservatori di una miriade di tratti colorati. La tecnica di Guido Rocca infatti è molto peculiare: le sue tele sono composte da migliaia di pennellate sottili e materiche che si sfumano tra l’oro, sono cosi ricche di movimento e tonalità differenti che sembrano vibrare come se avessero una vita propria.

«Sono convinto che le tele di un pittore non contengano solo materia ma si impregnano delle idee, delle intenzioni e dello scopo dell’artista, per questo esse non sono materia inerme ma bensì sono ricche di vita.» - spiega Guido Rocca - «Le vibrazioni dell’arte non si vedono, ma si possono percepire e penetrano nell’animo umano sollevandolo dalle inquietudini quotidiane». 

Questi concetti espressi a parola dall’artista, ritrovano una conferma evidente nelle sue opere che emanano un’energia e un’armonia rasserenante. Per lui, infatti, l'arte incide sul tono emozionale, aiutando le persone ad avere un umore migliore e a creare trasformazioni interiori. «Dipingo e scrivo con la consapevolezza che l’arte è una forma di rivoluzione gentile ed è la linfa vitale della società, dopo anni di perdizione in cui vagavo nell’oblio, ho compreso che l’unico modo per non perdermi e sentirmi libero è fare qualcosa che mi faccia sentire utile e sento, con tutto me stesso, che attraverso l’arte posso dare il mio contributo».

Guido Rocca ha avuto una vita intensa viaggiando in mezzo mondo e finendo in molte trappole come la droga, riuscendo però a sollevarsi dopo ogni caduta e trasformando le sue esperienze negative nei suoi punti di forza odierni, infatti l’artista è molto attivo anche nel campo umanitario: «La mia vita è stata una lotta per la sopravvivenza. Nei miei versi e nelle mie pennellate tutto questo è presente. Vitalità, afflizione, rabbia, malinconia, dolore e gioia, cerco sempre di esprimere ogni emozione ed elevarla ad estetica, sono convinto che solo cosi le persone che interagiscono con le mie opere, si possono sentire comprese e meno sole».

I quadri di Guido Rocca rimarranno esposti presso Two Creation per tutto il 2022 e verranno cambiati durante l'anno in base alle vendite. Un'ottima occasione ammirare dal vivo le sue opere e conoscere la sua arte.

Un consiglio: andate a visitare la mostra, perché ne vale davvero la pena!

Intanto potete avere un assaggio dell’arte di Guido Rocca sui social:
Facebook - https://www.facebook.com/guidoroccaart
Instagram - https://www.instagram.com/guido.rocca.art/

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di Redazione

Dopo il successo della prima “Sibillini Experience” e della docu-serie “Sibillini Stories” (in streaming sul sito www.magicmountains.it), il progetto non-profit multipiattaforma “Magic Mountains” (finalizzato alla valorizzazione e alla ri-scoperta del patrimonio culturale e naturalistico del Parco Nazionale dei Monti Sibillini) porta la magia delle montagne a Roma con la prima “Immersive Exhibition” al Corner MAXXI - Museo Nazionale delle Arti del XXI secolo di Roma, dal 28 al 31 ottobre. Un’esperienza immersiva con video e audio installazioni, la presentazione di ricerche e progetti artistici dedicati ai Monti Sibillini, montagne magiche per antonomasia e al loro straordinario patrimonio di storie, leggende e miti.

Installazioni audiovisive, mostra fotografica collettiva e contenuti di digital storytelling interattivo per immergersi nella magica atmosfera dei Monti Sibillini, territorio magico per antonomasia, ricco di fascino e di storia, abitato fin dall’alba dei tempi da una gran quantità di miti e leggende ma duramente colpito dal sisma del 2016 prima e dalla pandemia di Covid-19 dopo.

Oltre alla proiezione del progetto fotografico collettivo “Il fascino magico dei Sibillini” con gli scatti più belli della Call #Magicmountains - Call For New Photographers e a una serie di contenuti di storytelling interattivi accessibili in loco tramite devices, saranno presenti le Video Installazioni “Cosa cercate voi sul dorso dei Giganti?”, un’immersiva ricostruzione dell’atmosfera sibillina accompagnata dalla colonna sonora in quadrifonia (a cura della compositrice turca Ekin Fil) che condurrà i visitatori direttamente sulle vette delle montagne, e “Sibillini Stories” una raccolta di testimonianze e video racconti delle leggende e dei miti più belli che abitano queste montagne. Saranno inoltre presenti le opere dell’illustratrice e pittrice umbra Francesca Greco, curatrice delle illustrazioni del libro di fiabe dei Sibillini realizzato da Magic Mountains.

Si potrà visitare la mostra dalle ore 11:00 alle ore 21:00. L’ingresso è gratuito e contingentato, con prenotazione obbligatoria su DICE.FM.










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di Redazione

“La visione poetica è rinascita, libertà e coraggio” sostiene Angelique Cavallari, che non smette di immergersi in nuove dimensioni creative.

Esploratrice assidua di nuove visioni e libera dagli schemi, l'artista e attrice riprende con le sue Street Performance itineranti (dopo la performance “L'effimero e il grano” per le strade del Marais di Parigi – accompagnata dal polistrumentista Nicola Linfante - in occasione dei “Parcours Nomades”, ma anche “Identità” presentato al Lady Fest di Roma). La nuova performance si intitola “Phoenix-Poetic Acts”, una video-testimonianza degli atti poetici da lei fatti per le strade della città di Parigi, ma anche e soprattutto nelle sue periferie, le “banlieux”, i luoghi da lei scelti. Questa suggestiva Street Performance verrà presentata in prima assoluta all'Iper Festival (evento dhygital, multidisciplinare e gratuito dedicato alla periferia di Roma e delle metropoli del mondo) che si terrà dal 21 al 23 maggio.

Visibile sulla piattaforma virtuale https://iperfestival.it/, il festival coinvolge artisti scelti da tutto il mondo (Parigi, Addis Abeba, Barcellona, Bari, Berlino, Bologna, Bolzano, Bucarest, Buenos Aires, Caracas, Città del Messico, Il Cairo, Kinshasa, Lima, Manchester, Miami, Milano, Montreuil, Napoli, New York, Palermo, Papaichton, Pechino, Praga, Quito, Taipei, Taranto, Tel Aviv, Torino, Tripoli, Venezia).
L'evento, curato da Giorgio de Finis (MAAM, RIF, MACRO Asilo), inaugura anche il nuovissimo nonché unico Museo delle Periferie attualmente in costruzione (Tor bella Monaca - Roma). La performance “Phoenix-Poetic Acts” e la proiezione del video avranno luogo anche nella galleria di Parigi di Bonnie Tchen Hy, con la curatrice Simona Amelotti (MetacritikOpera).

Nonostante il periodo carico di restrizioni e limitazioni, Angelique ha dato vita a questi atti poetici in totale indipendenza e con quel pizzico di trasgressione che da sempre contraddistingue l’atto performativo puro in sé, che è totalmente libero. Così, tra sogno e surrealismo, si presenta vestita con un abito che “evoca metaforicamente una Fenice contemporanea” (fatto da lei stessa a mano) e mentre cammina con una mano sparge petali di fiori freschi (prese da un cesto di vimini) per le strade di cemento e con l'altra tiene alto un fumogeno colorato. Un contrasto scenico che diventa mistico e surreale, onirico, ma che è concreto e tangibile. Tangibile come la presenza dell'artista. Un momento che vuole celebrare la restituzione del diritto di tutti alla bellezza e al sogno attraverso l‘arte.

Si perché il messaggio della Cavallari qui è molto chiaro: “La Fenice è, per eccellenza, il simbolo della Rinascita e con questi passaggi, questi semplici gesti entriamo in una dimensione surreale di quel che può essere considerata la forza della creatività in sé . Puri atti della resilienza della visione poetica, che vince sempre ed esiste come risorsa radicata ed imprescindibile dell'essere umano”.

Intanto ricordiamo che “La Nuit”, mediometraggio diretto da Stefano Odoardi con protagonista proprio Angelique Cavallari, autrice anche dei brani musicali da lei cantati, sta continuando a girare il mondo e a vincere premi in vari festival cinematografici (è stato anche tra i finalisti del Los Angeles Italia Film Fashion and Art Festival). “La Nuit” è attualmente disponibile (gratuitamente) sulla piattaforma streaming Chili.

Angelique Cavallari è inoltre protagonista del cortometraggio “Seven Wishes”, realizzato da Karolina Bomba, in cui l'attrice veste i panni di una donna/fata che cercherà di esaudire i desideri di un bambino sulla sedia a rotelle. Anche questo titolo sta avendo successo per i festival internazionali: dal Roma Prisma Indipendent Film Festival,al New York Film Festival. La Cavallari ha vinto per questa pellicola anche il premio come migliore attrice al Best Actor Award New York.

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di Redazione

I lockdown continui e le restrizioni anti-Covid 19 hanno portato alla chiusura dei musei in quasi tutta Italia. Questo però non deve allontanarci dall'arte e dalla sua capacità di aprire la mente (oltre che il cuore), come sottolinea Guido Rocca, apprezzato pittore che ha deciso di fare sentire la sua voce in questo momento difficile.

“Oggi purtroppo abbiamo l’evidenza che molto spesso la società lascia intendere che l’arte non sia un bene primario, ma in realtà sono fermamente convinto che sia la linfa vitale della società e della cultura. L’arte ha il potere enorme di incidere sul tono emozionale, elevandolo e rendendo le persone più produttive, etiche e serene. Potete facilmente intuire che influenzando gli individui l’arte alza l’umore generale della società e questa è la chiave per avere un futuro migliore e pacifico per tutti” - spiega Guido, che invita a circondarsi di arte anche tra le mura domestiche - “Ora i musei sono chiusi e la situazione non è semplice, ma il vantaggio è che l’arte non ha confini e dobbiamo avere la forza di non abbatterci a causa di queste restrizioni, ma alzare il nostro livello di necessità e di urgenza e fare ancora più arte, creare ambienti estetici, circondarsi di bellezza, leggere, ascoltare musica. Mai come oggi dobbiamo spegnere per un po' i cellulari e dedicare più tempo all’arte. Un bel quadro appena entri in casa per esempio può estrovertiti ed elevare il tuo umore in un modo che neanche ti immagini, sciogliendo rabbia e preoccupazione e rivitalizzando in te la voglia di creare”.

Guido continua facendoci comprendere come l’arte può farci vedere oltre l’apparenza e può esserci di aiuto nei momenti bui: “Questa capacità di farci vedere è talmente magica e potente che l’arte ci permette di osservare anche ciò che è invisibile, ci sono quadri che pur essendo fatti di materia, sono energia pura e rappresentano un universo invisibile difficile da portare alla luce se non tramite l’arte. Molto spesso essa ci permette di comprendere quanto il mondo spirituale, nonostante non si possa toccare, sia più vero dell’universo materiale”.

Rocca poi affronta un tema che fa riflettere: “L'arte alza il tono generale delle persone e della società, rendendo ognuno di noi più libero e sereno. Tramite essa possiamo aiutare, sia come artisti che come amanti e divulgatori. E per una persona non esiste soddisfazione più grande che sentirsi utile agli altri. L’arte migliora il presente dando vita al futuro”. 

Continua poi raccontando come la sua arte è il riflesso di se stesso: “Come artista cerco di fare la mia parte e sono convinto che su ogni tela, non solo sono impressi i colori ma anche le mie idee, le mie intenzioni e il mio scopo, mi auguro che questo venga percepito da chi osserva le mie opere, perché quello che vedono non è solo materia ma è vita, io sono i miei quadri”.

CHI È GUIDO ROCCA
Guido Rocca nasce a Milano e, fin da piccolo, coltiva la sua passione per la scrittura. A diciotto anni si trasferisce all’estero e poi inizia a viaggiare in tutto il mondo, passando un lungo periodo in Asia (tra India e Nepal, in particolare a Kathmandu). I viaggi e le avventure vissute hanno fatto scattare in lui un grande flusso creativo e così, a venticinque anni, ha iniziato a dipingere e da allora non ha più smesso. Con le sue opere Guido cerca di trasmettere nel mondo materiale l’universo dell’anima. Il suo scopo è poter creare sensazioni libere da schemi fissi in coloro che osservano e comunicano con i quadri. Il suo desiderio è che la diversità e la necessità di ognuno possa liberamente cogliere ciò che vuole dentro di se e che possa essere rasserenata dall’interazione con l’opera.

crediti foto: ufficio stampa